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Category: Storia e arte contemporanea

Christie’s colpisce ancora.. Le Marin di Pablo Picasso

Christie’s colpisce ancora .. “Le Marin” di Pablo Picasso

Dalla collezione di Victor e Sally Ganz all’asta del 15 Maggio

“Le Marin” di Pablo Picasso  (olio su tela,129.3 x 80.8 cm.), dipinto il 28/10/1943,durante la permanenza in Francia, al culmine dell’ occupazione nazista, rappresenta l’autoritratto dell’ autore con una maglietta a righe tipica dei marinai, da qui il titolo dell’opera. Per “Le Marin”, non si fa nessuna citazione alla ricerca artistica di Picasso, nessun riferimento al primitivismo, al cubismo o al classicismo, è un autoritratto che l’artista realizza nel suo studio, ma fornisce numerosi spunti sulla situazione psichica di Picasso, che dopo Guernica diventa a livello internazionale l’autore anti-nazista e anti- militarista per eccellenza. Nonostante le offerte di scappare in Messico e negli Stati Uniti, Picasso decise di rimanere in Francia, consapevole della denuncia pubblica di Hitler e un probabile ordine di deportazione, in quei momenti lui stesso affermò  “Non è il momento per un creativo di fallire, di ridimensionarsi, o di smettere di lavorare.”.  L’ordine di deportazione di Picasso non fu mai eseguito, poiché intervennero  alcuni amici vicini a Hitler che intercedettero in favore dell’artista, in particolare Amo Breker lo sculture preferito del Fuhrer. Le Marin venne dipinto 5 settimane dopo la revoca dell’ordine di deportazione, quindi all’apice della crisi in cui l’artista è coinvolto.  Picasso in un intervista circa 10 anni dopo la realizzazione di “Le Marin”nonostante il periodo in cui l’opera è stata realizzata, affermò che il quadro è un suo autoritratto, privo di alcun messaggio politico, mentre l’enigmatica maglietta da marinaio  viene giustificata come un indumento che lui è solito indossare, infatti durante l’intervista Picasso mostrò la maglietta sotto la camicia. Il quadro apparteneva alla collezione dei Ganz, che per oltre due decenni collezionarono solo opere dell’artista, fu acquistato da Victor nel 1952 al costo di 11.000 dollari, Christie’s lo ha recentemente acquisito con l’obiettivo di battere ogni record d’asta per le opere di Picasso, record che già appartiene alla casa d’asta inglese, per un’ opera oltretutto proveniente dalla collezione dei Ganz, che per Christie’s è un importantissimo valore aggiunto all’opera stessa. “Le Marin” potrebbe, dunque, essere l’opera economicamente più significativa di Picasso.

 

 

 

Spazialismo, monocromie: Lucio Fontana

 Spazialismo, monocromie: Lucio Fontana

Lucio Fontana: l’artista che si spinse oltre alla tela 

E’ in conclusione all’ Hangar Bicocca (fondazione Pirelli-Milano) la mostra “Ambienti/Enviroments” dedicata a Lucio Fontana, l’esposizione riproduce nove ambienti realizzati dall’artista tra il 1949 e il 1968, gli spazi vennero concepiti per gallerie e musei, alla fine degli eventi le installazioni venivano distrutte. La fondazione Pirelli ha voluto ridare vita alle opere meno conosciute di Fontana poichè caratterizzate da una natura effimera. Gli ambienti si presentano come la summa dell’indagine artistica di Fontana,che ora analizzeremo nel dettaglio.

Lucio Fontana nasce in Argentina da genitori italiani nel 1899, si afferma come maggiore artista italiano del Dopoguerra, riuscì a svincolarsi dalla formazione accademica, divenendo parte della Milano astrattista, le “Tavolette graffite” realizzate a cavallo tra il 1931-32 sono caratterizzate da una forte componente gestuale. Durante la seconda guerra mondiale ritorna in Argentina dove reda il “Manifesto Bianco”, il manifesto argentino dai sapori futuristici sarà la premessa, al ritorno in italia, per la creazione del movimento definito Spazialismo. Lucio Fontana può essere definito la cerniera tra l’arte prebellica e il concettuale. La produzione artistica di Fontana si può dividere in tre momenti: la serie dei buchi, dei tagli e quella delle installazioni ambientali. La prima serie denominata “Serie dei Buchi” è improntata sulla ricerca del rapporto tra bianco-materia e nero-vuoto, quindi le superfici delle opere sono caratterizzate da crateri irregolari che squarciano la tela, il gesto di Fontana sfregiava il supporto tradizionale senza intenti provocatori, con l’obiettivo di portare lo sguardo dello spettatore dentro e oltre il quadro. La serie è connotata da una forte indagine sul senso della materia, che tramite le opere di scultura identifichiamo nel pensiero dell’artista come madre generatrice, le opere scultoree denominate “Le Nature” sono delle palle di terracotta o di bronzo forate in una cavità dal sapore primordiale. 

La “Serie dei Tagli” è il definitivo superamento dei limiti e dei parametri convenzionali, la prima serie si collocava nel clima dell’informale, questa invece depura ulteriormente la forma, portandola all’essenziale. L’artista tagliava la tela in un atto di estrema concentrazione. Il fondo poteva essere bianco ma anche colorato e dai toni brillanti, veniva meno quindi la distinzione tra pittura e scultura. Ciò che completava le opere era il passaggio della luce tramite la fessura, dal suo tono massimo allo zero, in una sintesi radicale del problema del chiaro-scuro. La tinta monocroma stempera la violenza del taglio che di fatto è sublimata dal colore.

Altro ambito dell’azione di Lucio Fontana, quello di cui si è parlato a inizio articolo,le installazioni ambientali. La prima installazione risale al 1949 quando presso la “Galleria del Naviglio” di Milano, servendosi della luce elettrica creò una stanza in cui una lampada nera di Wood dava contorni violacei all’intera stanza, comunicando allo spettatore un senso di disorientamento. Nel 1951 realizza per lo scalone d’onore della Triennale di Milano, piegando un tubo al neon, un disegno ottico che ricorda i movimenti di un corpo nello spazio, anticipando esperimenti sopratutto di aerea statunitense. Nel 1952 rilasciò un’intervista in cui ipotizzava l’utilizzo della televisione come medium artistico.

Lucio Fontana fu un talento eclettico e ribelle a ogni convenzione, rimase coerente con la sua produzione artistica, tramite le sue intuizioni riuscì a creare un dialogo con le generazioni di artisti successive. L’intera produzione artistica di Fontana tutt’ora oggi e in grado di creare nello spettatore gli stessi effetti che produsse nelle prime comparse al pubblico, facendo di  Fontana orgoglio dell’arte italiana e argomento di studio a livello internazionale.   

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